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miércoles, 26 de marzo de 2014

JURE KRAVANJA

Uno de los fotógrafos que más me interesa y del que he ido poniendo fotografías, tanto en el lateral como en este pasillo central, es Jure Kravanja, nacido en Celje, Eslovenia, en 1960. 


Es licenciado en Sociología y Pedagogía y fue a partir de los cuarenta años cuando empezó a interesarse en la fotografía, convirtiéndose para él en una pasión y, en definitiva, en una forma de vida.

Se considera un fotógrafo semiprofesional y su trabajo se centra en los temas siguientes:

Abstracciones




Líneas arquitectónicas




Paisajes




El mundo del trabajo




Y otros temas siempre llenos de una sensibilidad especial



Ha recibido varios premios internacionales FIAP y ahora su principal interés radica, puesto que trabaja en la Clínica Psiquiátrica Center Ljubljana (Eslovenia), en la fotografía como medio de diagnóstico y tratamiento terapéutico.

miércoles, 5 de febrero de 2014

AKIF HAKAN CELEBI

Akif Hakan Celebi es un fotógrafo nacido en Estambul que actualmente reside en Miami. En 2006, fue galardonado por la revista Max como uno de los mejores fotógrafos de la nueva generación del futuro, también fue finalista en 2006, International Color Awards. 




Cada instantánea de Hakan Celebi parece tener la capacidad de abstraernos del mundo y fijar la atención exclusivamente en ellas. Los entornos de sus fotografías son cosmopolitas y las fotografías transmiten sensación de soledad, su objetivo es dar a los espectadores una historia y establecer un estado de ánimo atmosférico dentro de las imágenes que crea. 



Sabe retratar de forma excepcional a la mujer japonesa actual y le gusta experimentar mezclando tendencias actuales de artes visuales con su propia imaginación. 





Usa colores saturados, lo que marca aún más la influencia oriental del fotógrafo, para desarrollar una especie de Expresionismo en la fotografía con el uso de combinaciones de colores inusuales.




Creatividad y sensualidad son los aspectos que más cuida en su trabajo. Sabe acercarse con sutileza al erotismo femenino, insinuando más que mostrando. 





Las emociones son el verdadero centro del discurso y el desnudo, cuando aparece, muestra la naturalidad de la situación sin despertar el instinto voyeurístico del espectador.

miércoles, 22 de enero de 2014

ALYSSA MONKS



Es una pintora norteamericana, nacida en 1977, graduada en Bellas Artes en la New York Academy of Art. 
Desarrolla una pintura hiperrealista que es su manera de acercarse a la fidelidad de la fotografía; crea húmedos cuadros en los que representa, con gran habilidad, las imágenes de una persona bajo el agua, por ejemplo, en la ducha.




El agua y el vapor distorsionan el cuerpo en espacios poco profundos y, al mismo tiempo, generan una figuración abstracta de la persona. 



Los cuadros de la artista imitan el vidrio, el vapor, el agua y la carne como si se tratara de una fotografía durante el baño.




De todas formas no solo pinta con esta temática y las obras en que aparecen figuras en la cama resultan muy sugerentes.

martes, 12 de junio de 2012

AMOR. Pigmalión.


 ¿Quién dejará, del verde prado umbroso, 
las frescas yerbas y las frescas fuentes? 
¿Quién de seguir con pasos diligentes
 la suelta liebre o jabalí cerdoso? 

¿Quién, con el son amigo y sonoroso, 
no detendrá las aves inocentes?
 ¿Quién, en las horas de la siesta, ardientes,
 no buscará en las selvas el reposo,

 por seguir los incendios, los temores,
 los celos, iras, rabias, muertes, penas
 del falso amor que tanto aflige al mundo?

Del campo son y han sido mis amores,
 rosas son y jazmines mis cadenas,
 libre nací, y en libertad me fundo.

 Poema Soneto De Gelasia en La Galatea de Miguel de Cervantes Saavedra 



Pigmalión fue rey de Chipre, buscó durante mucho tiempo a una mujer con la que casarse. Había una condición, debía ser la mujer perfecta. Frustrado en su búsqueda, decidió no casarse y dedicar su tiempo a crear esculturas preciosas para compensar. Una de ellas, Galatea, era tan bella que Pigmalión se enamoró de ella. 
Mediante la intervención de Afrodita, Pigmalión soñó que Galatea cobraba vida. En el mito Las metamorfosis, de Ovidio, se relata así:


Pigmalión se dirigió a la estatua y, al tocarla, le pareció que estaba caliente, que el marfil se ablandaba y que, deponiendo su dureza, cedía a los dedos suavemente, como la cera del monte Himeto se ablanda a los rayos del sol y se deja manejar con los dedos, tomando varias figuras y haciéndose más dócil y blanda con el manejo. Al verlo, Pigmalión se llena de un gran gozo mezclado de temor, creyendo que se engañaba. Volvió a tocar la estatua otra vez y se cercioró de que era un cuerpo flexible y que las venas daban sus pulsaciones al explorarlas con los dedos. 

Al despertar, Pigmalión se encontró con Afrodita, quien, conmovida por el deseo del rey, le dijo:


 "(…) mereces la felicidad, una felicidad que tú mismo has plasmado. Aquí tienes a la reina que has buscado. Ámala y defiéndela del mal". 

 Y así fue como Galatea se convirtió en humana. 

  La escultura de Pigmalión y Galatea de Rodin está tomada de google. 

lunes, 21 de mayo de 2012

INTUICIÓN, ALGO MÁS QUE IMPULSOS…

Desde que me recuerdo, sé que tengo una gran intuición. Pero también desde siempre la he ocultado y he trabajado la razón frente al conocimiento intuitivo. A pocas personas les he contado la cantidad de veces que la intuición me ha salvado de caer en situaciones difíciles, en descartar relaciones tóxicas o en tomar decisiones complicadas. Tampoco acostumbro a explicar que, en algunos casos, he desatendido las señales intuitivas y he acabado fastidiándola de mala manera.





 “La mente intuitiva es un regalo; la racional, un sirviente. Nuestra sociedad honra al sirviente y ha olvidado el regalo”.
 A. Einstein 

No es que ahora haya cambiado de opinión y me decante por la defensa de la intuición frente a la razón, pero con el paso de los años he decidido que no debo desatender sus luces de alarma . La intuición es una valoración rápida, sensorial, es un fogonazo instantáneo que nos trasmite buenas o malas vibraciones sin análisis ni intelectualización previa. Por eso, a veces, cuando seguimos una intuición hay personas que le llaman corazonada, como si la valoración viniera del corazón y no de la mente. No acabo de estar de acuerdo con esta manera de verlo, la corazonada sería un impulso, basado en un deseo o una emoción pasajera, que deseamos tanto que nos conduce a no pensar ni a escuchar la intuición y lanzarnos a su realización. La intuición es más bien lo que algunos llaman la sabiduría interior. 





"Con la práctica adquirimos la intuición de saber cuándo hemos hecho algo bien y entonces lo conservamos".
 Elena Poniatowska

La sabiduría interior es, según creo, resultado de nuestra vida, nuestras experiencias, nuestras emociones, nuestro equilibrio sensorial. Todo eso va generando esa sabiduría que no se basa en conocimientos lógicos y racionales sino que es como un depósito de lo vivido. No sé si he logrado explicarme, ni si tengo razón, pensad que la intuición es difícil de traducir en palabras, todas ellas tan racionales…

Ya sabéis cómo me gusta Madeleine Peyroux… intuitivamente, racionalmente y todos los mentes que queráis añadir…

 

Las fotos son del Pabellón Mies Van der Rohe de Barcelona. La canción está tomada de google.

lunes, 7 de mayo de 2012

GOYA. El sueño de la razón produce monstruos

Que la razón produce pesadillas es algo de lo que estoy convencida desde hace mucho tiempo. Esas pesadillas traslucen, sin embargo, nuestros miedos, nuestras sombras, nuestros nubarrones, nuestras tristezas y nuestras contradicciones más intimas. Será por eso que admiro y disfruto tanto con la obra de Goya de quien escribí un post de los más leídos (cosa que me llena de orgullo) de esta casa. 




Los Caprichos muestran cierta dualidad: suponen una sátira de las ridiculeces de su tiempo y a la vez una inmersión en el inconsciente del autor, pero también en el de sus espectadores. Una famosa carta de Schiller a Goethe en 1801 insistía en el hecho de que el verdadero artista debe partir siempre de un impulso inconsciente, aunque después lo someta a un trabajo consciente:


  El único punto de partida que adopta el poeta es lo inconsciente (…) La poesía, si no me equivoco, consiste precisamente en saber expresar y comunicar ese inconsciente (…) Lo inconsciente junto con lo pensado constituyen al artista poético.


El Capricho más famoso es el grabado que lleva la leyenda: El sueño de la razón produce monstruos. La palabra sueño tiene dos significados –dormir y soñar-, lo que permite que la frase se interprete de dos maneras. Si significa dormir, entendemos que cuando la razón se queda dormida, los monstruos nocturnos asoman la cabeza, y por lo tanto es preferible que se despierte para apartarlos. Los monstruos son externos a la razón, de modo que nos mantenemos en un proyecto educativo. Pero si la palabra significa soñar, entonces es la propia razón la que produce esos monstruos cuando funciona por la noche. La razón, por tanto, produce ideas claras, pero también pesadillas. La razón está ausente cuando duerme, porque se dedica a soñar.


El proyecto ya no es destruir las supersticiones y los fantasmas, sino entenderlos, y por consiguiente domesticarlos. Cuando lo consigue, estas visiones ya no dan miedo, sino risa. Goya une razón e imaginación, reflexión e inconsciente sin considerarlos incompatibles, enriqueciendo de esta manera la doctrina de la Ilustración. En el manuscrito del Prado leemos el siguiente comentario: 

La fantasía abandonada de la razón produce monstruos imposibles: unida con ella es madre de las artes y origen de las maravillas. 

 El grabado muestra a un hombre dormido encima de una mesa, rodeado de aves nocturnas, murciélagos y búhos, y de un gran gato, en aquel momento símbolos frecuentes de la estupidez y de la ignorancia, cuando no del diablo. A los animales nocturnos se suma un lince, animal famoso por su aguda visión. La ceguera y la visión aguda siempre coexisten. 


Tanto la razón como la sinrazón son características humanas. Las supersticiones de las personas sencillas e ignorantes, que creen en brujas y en fantasmas, invaden los sueños de los ilustrados. Lo sobrenatural ya no vive en el campo o en el bosque, sino dentro de nuestra cabeza. Goya abandona el marco tranquilizador en el que se sitúan los ilustrados, y que les permite reprender a los demás, y se coloca con las personas corrientes, cuya mente se ve invadida por estas imágenes inquietantes. 

 Hay una interesante exposición en el Caixa Forum de Barcelona titulada “Luces y sombras. Goya”. Estoy leyendo un interesante libro de TZVETAN TODOROV, “Goya. A la sombra de las luces” de donde procede en gran parte este post. Los Caprichos 1, autorretrato de Goya, y 43 están tomados de google.

lunes, 9 de abril de 2012

PETER EISENMAN. Ciudad de la Cultura, Santiago


Cuando este verano fui a Santiago tenía gran interés en conocer la Ciudad de la Cultura de Eisenman. Me había impresionado y emocionado su Monumento al Holocausto, en Berlín, cuando lo visité un frío invierno de hace tres años.
La visita al monte Gaiás, donde se localiza su obra inacabada (se han construido cuatro de los seis edificios proyectados), me sorprendió. El motivo más importante por ver su concepción de la arquitectura.
Afirmaba Eisenman que:
 “Con la Ciudad de la Cultura que construyo en Santiago he tratado de crear un palimpsesto, un edificio cuyo impacto no sea visual. Un lugar que funcione a capas, como una cartografía de la topografía del lugar, de la ciudad medieval y de la ampliación moderna. Me encargaron un gran edificio y estamos excavando un territorio”.
La práctica profesional y teórica de Eisenman ha alcanzado un status paradigmático dentro de la llamada Deconstrucción.
Utiliza métodos de diseño generativos, que conciben el proyecto sin recurrir a conocimientos acumulados o a la experiencia técnica o cultural de la disciplina.
Desarrolla una arquitectura de la ausencia, sin sujeto, sin historia, sin lugar, sin significado, entendidos tradicionalmente.
 Procura una práctica crítica, cuyo fin es ocupar una posición de resistencia dentro del “Zeitgeist”(espíritu del tiempo), sin renunciar a él como espacio operativo, manteniendo siempre el control crítico del proyecto.
Es un arquitecto de la experimentación, que mediante sus estudios de manipulación formal e interioridad de la arquitectura, pretende crear sensaciones que trasciendan la mera percepción audiovisual.
Es un arquitecto que sin obedecer, ni oponerse a los órdenes naturales dominantes -funcionales, estructurales, estéticos, simbólicos- no abandona la posibilidad del conocimiento y la investigación, entendiendo así la Arquitectura como una construcción “puramente artificial”. Los edificios de Eisenman son ejemplos de una arquitectura ensayo misteriosa y excitante que se debate permanentemente en el abstracto y etéreo mundo de las ideas.
En sus últimas obras Eisenman utiliza modelos geométricos complejos tomados de otras disciplinas que superpone a esquemas tomados de condicionantes del lugar a trabajar, generando nuevos efectos espaciales que desdibujan los sistemas y esquemas tradicionales y logran una nueva coherencia funcional y estética. Actualmente las investigaciones de Eisenman se basan en la eliminación del intersticio como presencia y la validación del espacio que trasciende la necesidad del contenedor formal, es decir, que parte del vacío como elemento esencial.
La segunda sorpresa, por desgracia, no tiene que ver con la obra de Eisenman sino con el monumento a la incoherencia en que se ha convertido por el despilfarro producido en su planteamiento y construcción.
La idea fue de Manuel Fraga y de la Xunta de Galicia. Se iban a levantar seis edificios en una extensión de 60.000 m2, la obra costaría 108 millones de €. Cuando yo la visité este verano, iban invertidos 400 millones de €, se han construido solo cuatro edificios y se ha ocupado una extensión de 148.000 m2.
¿A quien se le ocurrió construir una biblioteca más grande que la Biblioteca Nacional de Berlín para albergar libros en gallego o sobre Galicia?
¿A quién un Palacio de la Ópera con capacidad para montar tres óperas en un mismo día?
Podría seguir explicando incoherencias o motivos de despilfarro insensato pero no me alargo más. Que las ansias de grandeza de los políticos no oscurezca la belleza de la obra de Eisenman.
  

Extraido de http://arquite251.tripod.com/Eisenman.html

lunes, 2 de abril de 2012

EROTISMO Y HEDONISMO


El deseo de conciliar la aventura erótica con el idilio es la esencia misma del hedonismo –y la razón por la cual el ideal hedonista es inaccesible para el hombre.

 La obra es del costarricense Rolando Cubero, que he descubierto por casualidad, tomada de google. El fragmento es de MILAN KUNDERA, El arte de la novela.

viernes, 24 de febrero de 2012

BÉLGICA ¿QUÉ ME GUSTA DE UN VIAJE?

Viajar en buena compañía, es decir, con personas que quiero y aprecio para compartir sorpresas, dificultades, risas, cansancio y buena conversación. En este breve viaje fue así, éramos tres personas.

Me gustan las sorpresas: Museo Le Mas en Amberes



Me gusta lo que aprecio pero interpretado de otra manera.



 El Art Nuveau del barrio Zurenborg de Amberes es un espléndido ejemplo.



Me gusta disfrutar de lo que ofrece cada país como propuesta gastronómica: el chocolate en Bruselas (y en toda Bélgica). Aunque no  soy especialmente golosa he de conceder que estaba delicioso.


Comimos un delicioso plato único en este pequeño restaurante vegetariano de Amberes (tampoco soy vegetariana...).



Un paisaje que te sobrecoge por su belleza donde menos lo esperas: entrando a Brujas desde la estación de tren…


Una escena urbana cuando cae la noche que te encandila. Canal en Gante.






Fragmentos que llaman la atención de quien mira con calma. 







Estuvimos en un hotel bastante barato de Bruselas. Tenía el “inconveniente” de que se encontraba en un barrio con fama de “peligroso” por predominar los magrebíes. Tenía la ventaja de ser barato siendo de tres estrellas y estar muy cerca de la estación Midi y de una boca de metro. Decidimos valorar las ventajas y nos instalamos en dicho hotel. En toda la estancia sentimos peligro alguno y nos sucedió un pequeño problema que nos convenció de nuestra buena elección. Queríamos ir al Atomium de Bruselas y buscando la mejor comunicación acabamos en la entrada a un tranvía subterráneo y bloqueados en un espacio reducido entre dos puertas de vidrio  sin poder salir (entramos por la primera puerta y debíamos pasar el billete que no llevábamos). Un joven magrebí me paso su cartera por encima del vidrio para que pasáramos su billete y poder salir y después nos lo volvió a pasar en la boca de metro para que entráramos gratis. 




viernes, 10 de febrero de 2012

RAINER MARIA RILKE, Cartas a un joven poeta.





Ya no recuerdo qué me llevó a comprar estas Cartas. Empecé a leerlas hace pocos días, algunas las he releído varias veces.
Estas diez cartas que escribe Rilke al joven poeta, Franz Xaver Kappus, tiene 97 páginas que incluyen una nota preliminar del traductor y la breve presentación de F. X. 
Kappus cuando publicó estas cartas.








En este caso no voy a hablaros del autor, de sobra conocido, ni os daré una visión general de las Cartas. No habrá recomendación porque no hace falta. Reproduciré fragmentos que, al elegirlos, definen lo que me ha gustado de ellas.




Empezaré por algo que no conocía, la influencia de RODIN sobre Rilke. 







Entre el insigne escultor francés y el joven poeta nacieron a principios de siglo XX unas relaciones que se volvieron cada vez más estrechas, convirtiéndose pronto en amistad perdurable, que dio magníficos frutos. Rilke vivió largas temporadas en París y llegó a ser, con una asignación de 200 francos al mes, secretario de Rodin desde septiembre de 1905 a mayo de 1906. Rilke escribió el mejor libro existente acerca del maestro y que se titula Rodin.
¿Qué aprendió de él? Entre otras cosas, algo fundamental: trabajo y paciencia: “vivir, tener paciencia, trabajar”, dice Rilke en una carta. 









Describe la mirada de Rodin, cuando éste trabaja, como si atravesara el aire como un hilo; es capaz de una inmovilidad de piedra cuando sus ojos se detienen en las cosas; sus manos - dice- están hechas para tomar con fuerza, para hacer gestos que creen cosas y les den su forma; entraba en su taller con una regularidad invariable y, durante años, no se acostó sin antes haber realizado lo que había imaginado durante la jornada; nunca dejó de rehacer sus obras y, a veces, como en el caso de La Puerta del Infierno, las destruía para rehacerlas de manera más conforme con su visión.


Rodin enseñó al poeta a contemplar la obra de arte como una actividad religiosa y a hacer sus versos tan consistentes y completos como esculturas:


“Las cosas no son todas tan palpables y decibles como nos querrían hacer creer casi siempre; la mayor parte de los hechos son indecibles, se cumplen en un ámbito que nunca ha hollado una palabra; y lo más indecible de todo son las obras de arte, realidades misteriosas, cuya existencia perdura junto a la nuestra, que desaparece”.
“Una obra de arte es buena cuando brota de la necesidad (…) no sabría darle más consejo que éste: entrar en sí mismo y examinar las profundidades de que brota su vida: en ese manantial encontrará usted la respuesta a la pregunta de si debe crear”.
Carta 1, p. 21 y 24

Los poemas de este período aparecieron en Nuevos poemas (2 volúmenes, 1907-1908). Una muestra es:
Canción de amor

¿Cómo sujetar mi alma para
que no roce la tuya?
¿Cómo debo elevarla
hasta las otras cosas, sobre ti?
Quisiera cobijarla bajo cualquier objeto perdido,
en un rincón extraño y mudo
donde tu estremecimiento no pudiese esparcirse.

Pero todo aquello que tocamos, tú y yo,
nos une, como un golpe de arco,
que una sola voz arranca de dos cuerdas.
¿En qué instrumento nos tensaron?
¿Y qué mano nos pulsa formando ese sonido?
¡Oh, dulce canto!

Para Rilke la experiencia artística estaba cerca de la experiencia sexual, “en su dolor y gozo”, por ello, “son sólo formas diversas de una idéntica ansia y dicha”. Cuando estaba escribiendo esta extraordinaria afirmación de Rilke estaba escuchando el CD de ETTA JAMES & THE ROOTS Band, Burnin down the house, y esta canción, Rock me Baby, me pareció muy oportuna para ilustrar a Rilke:



Qué lúcido Rilke cuando afirma que no hay ningún mundo sexual completamente maduro y puro:


“(…) hay un mundo que no es bastante humano, sino sólo viril; que es celo, embriaguez e inquietud, y cargado de los viejos prejuicios y orgullos con que el varón desfigura el amor”.
“Toda belleza (…) es una quieta forma perdurable de amor y anhelo”
“En un pensamiento creativo viven mil noches de amor olvidadas, que lo llenan de altura y grandeza. Y los que en las noches se unen y entrelazan en mecida voluptuosidad, hacen un serio trabajo y reúnen dulzuras, hondura y fuerza para la canción de algún poeta venidero, que surgirá para expresar indecibles delicias”.
Carta 3, p. 39, 46, 47

O cuando habla de la humanidad de la mujer, “llevada adelante en dolores y humillaciones”:


“Un día (…), un día existirá la muchacha y la mujer cuyo nombre no signifique meramente una oposición a lo masculino, sino algo por sí, algo que no se piense como un completamiento y un límite, sino sólo vida y existencia: la persona femenina.
Este progreso transformará la experiencia del amor (…); la cambiará desde la base, convirtiéndola en una relación que se entienda de persona a persona, no ya de hombre a mujer. Y este amor más humano (…) se parecerá a aquel que preparamos combativa y laboriosamente, el amor que consiste en que dos soledades se defiendan mutuamente, se delimiten y se rindan homenaje”.
Carta 7, p. 73

Rilke nos conduce a ser valientes y aceptar lo asombroso, lo inaudito… Me gusta acabar con este fragmento:


“Debemos aceptar nuestra existencia en toda la medida en que corresponda: todo, aun lo inaudito, debe ser posible en ella. Esto es en el fondo la única valentía que se nos exige: ser valientes para lo más extraño, asombroso e inexplicable que nos pueda ocurrir. A la vida le ha hecho infinito daño el que los hombres hayan sido cobardes en este sentido (…). Pues no es sólo la pereza lo que hace que las relaciones humanas sean tan indeciblemente monótonas y se repitan sin renovarse de caso en caso; es el miedo a alguna nueva experiencia no previsible, a cuya altura uno no cree haber crecido. Pero sólo quien esté hecho a todo, quien no excluya nada, ni aun lo más enigmático, vivirá como algo vivo la relación con otro, y conformará él mismo su propia existencia a fondo”.
Carta 8, p. 81

Si algo me define es ese afán por aceptar, incluso buscar, lo imprevisible, lo inaudito, lo asombroso, lo extraño………, es lo que me mantiene viva. Y no pienso renunciar a ello.
La fotografía del libro es de Laura Uve, el resto de imágenes y el vídeo están tomadas de google. Las obras de Auguste Rodin son de Las puertas del infierno.